Text — Patrick Winkler

PATRICK WINKLER SHADES OF WHITE

Much has been said about the color white and its role in the reception (and auratization) of artworks since Brian O’Doherty’s 1976 essay Inside the White Cube. Few things have shaped the presentation of contemporary art as decisively as the ideal of “the white cell,” developed since the 1920s and especially after the postwar period. Unlike the opulent salon-style hangings of the Baroque, this ideal makes it possible to direct the viewers’ full attention to the works on display and to study them without any distraction. “The ideal gallery suspends all cues that interfere with the fact that what is on display
is art.
It isolates the work from everything that would detract from its own self-determination. This gives the space an enhanced presence, like other spaces where a closed value system is maintained through repetition,” O’Doherty wrote in this context. 1
Patrick Winkler reflects on this approach, idealized by generations of curators (and artists), in his ongoing series In Preparation for the Installation Shot (since 2023) in ways that are both subtle and humorous, ultimately driving it ad absurdum.
Starting from the shades of white used in contemporary art institutions—ranging from the emulsion paint of the Fotogalerie Wien (Institutional White 001) to that of the Secession (Institutional White 004), the Madre Napoli (Institutional White 010), and the Julia Stoschek Foundation (Institutional White 020—he first paints small-format fiberboard panels, which he then documents precisely using reproduction photography. Over the years, this has resulted in a comprehensive and steadily growing archive that fans out the supposedly neutral (non-)color white in all its nuances.
Where the color chart normally functions in repro-photography as a tool for white balance—ensuring that reproduced color is rendered correctly, that is, neutrally—it becomes a protagonist in Patrick Winkler’s series: placed next to the white of the respective wall and on the neutral gray grid of the repro-table, it cleverly takes center stage. The continuation or translation of this work into the exhibition space takes shape in the installation Display for Eternity (2023), in which vertical color fields
in different Institutional Whites are applied directly to the exhibition wall. Not coincidentally, these wall paintings, which reveal themselves as such only upon closer inspection, recall trompe-l’oeil techniques that already challenged viewers’ perception in the Baroque era.

1 Brian
O’Doherty: In der weißen
Zelle. Inside the White Cube,
Berlin: Merve Verlag, 1995.

In the ever-newly layered presentation of his collected shades of white—whether painterly, photographic, or installationbased—Patrick Winkler exposes the infrastructures of exhibition-making and at the same time questions, in a humorously playful manner, the auratic character of white within the exhibition context.
The artist’s engagement with the infrastructural conditions of art institutions and their pursuit of the best possible presentation of artworks continues in his most recent project Containers (2024). For this, he uses cardboard, heavier papers, and other materials that had been used as underlay in Austrian as well as international institutions and therefore bear traces of work processes. From these materials he produces storage objects measuring 30 x 20 cm, corresponding to the format of the fiberboard panels in the series In Preparation for the Installation Shot, thus adding yet another layer to the project.
In their design, the Containers refer to archival folders that preserve cultural heritage and are used in museums and other institutions to safeguard (art-)historically significant materials and objects for the future. Here too arises the question of who, and under what premises, imbues work in the art context with meaning and value: Is the work of the artist truly worth more than that of the technicians who paint the walls in the exhibition space or install the works?
From what at first glance appears to be a “simple” engagement with the color white, Patrick Winkler’s practice unfolds an entire universe of deeper questions that cleverly and unexpectedly reveal the commodity economies of the art world and the infrastructures that surround it. Unlike Brian O’Doherty in his essay on the “White Cube,” Winkler argues that white here does not function merely as a backdrop for the objective reception of the actual artwork. Instead, Winkler exhibits white itself
as a commodity—while simultaneously making it the artwork. His multilayered archive of whites demonstrates that the institutional choice of a particular white is anything but neutral; it is, in fact, economically determined. On another level, this makes visible the subtle differences within the supposedly neutral presentation.

Text: Christina Töpfer

Display for Eternity

Als Kombination aller Farben galt Weiß lange Zeit als das ultimative Symbol für Neutralität: für die Mischung aller möglichen Informationen eines Spektrums, für
„Alles“ und damit gleichzeitig für „Nichts“ - für Abwesenheit ebenso wie für Unendlichkeit.
Gut 50 Jahre nachdem der White Cube seiner Dekonstruktion unterzogen wurde, ist die Kritik an ihm Teil des Lehrplans der meisten Kunststudien.
Und obwohl wir im akademischen Diskurs nicht mehr „Weiß“ sagen können, ohne an „Schwarz“, an Dekolonisation und White Supremacy zu denken, sind weiße Museumsräume immer noch state of the art.
Patrick Winkler beschäftigt sich mit den Eigenschaften von Raum unter Aspekten wie Öffentlichkeit, Privatheit oder Institutionalität.
Es geht um das kritische Offenlegen, das Bloßstellen von Machtstrukturen, aber trotzdem sind seine Arbeiten meist nicht explizit politisch.
Bei aller technischen Präzision und kühlen Ästhetik liegt uns ein sehr subjektiver Zugang vor, der aus der eigenen Erfahrung spricht.
Der aus der praktisch-handwerklichen Arbeit kommt und sich eher in subtile Abstufungen vertieft, als zu versuchen, mit den Machtgesten der verschiedenen, sich überlagernden unterdrückerischen Systeme zu konkurrieren.
Über mehrere Jahre hat Patrick Winkler die Wandfarben unterschiedlicher Kulturinstitutionen gesammelt:
hier vertreten sind die FOTOGALERIE WIEN, die Kunsthalle Wien, das mumok, die Secession sowie das Belvedere 21. Das Spektrum von Weißtönen wird aufgefächert und in mehreren medialen Aggregatzuständen re-präsentiert. Erstens als bildförmiger, rechteckiger „Ausschnitt“ – die subtile Abweichung im Weißton reicht aus, um die dünne Farbschicht wie einen (Fremd-)Körper erscheinen zu lassen.Zweitens wird das Weiß als Ware vorgeführt:
Farbkübel verweisen auf die verschiedenen Marken, auf die breite Produktpalette von weißer Dispersionsfarbe, je nach Prestige und Budget der Institution.
Sie tragen die Spuren der Arbeit, das Schmatzen der Malerrolle ist förmlich noch hörbar.
Drittens wird die Wandfarbe durch Reprofotografien mit fast obsessiver technischer Präzision einer Analyse unterzogen.
Ein besonderes Augenmerk liegt auf dem Übergang von architektonischen zu skulpturalen Qualitäten von Raum.
Anschaulich wird das in der Ausstellung anhand eines maßstabsgetreuen Nachbaus der Raumkante der FOTOGALERIE WIEN, die sich hier als installatives Element verselbstständigt hat. Die weißen Rollen, auf denen die Raumkante montiert ist, nehmen diesem Architekturelement, das sonst als so absolut und bedeutungsschwer empfunden wird, seine Stabilität, seine Endgültigkeit.
Und doch: während dem analytischen Blick auf die semantischen und historischen Implikationen des White Cube drängt sich ein sonderbares Gefühl auf.
Wer schon einmal mit der Malerrolle in der Hand in einem heruntergekommenen Offspace gestanden ist, weiß, wieviel Mühe wieviel (prekäre) Arbeit und wieviel weiße Farbe in solche Ausstellungswände fließt.
Für die Kulturarbeiter:innen unter uns sind ganz weltliche, nichtsdestotrotz starke Emotionen mit solchen Wänden verbunden.
Patrick Winklers Display ermöglicht uns einen anderen Blick auf diese scheinbar zeitlose Geste und der Moment, wo man sich der Fragilität der Dinge bewusst wird, wenn sie vielleicht kurz vor ihrem endgültigen Absterben und Verschwinden sind, bietet den Nährboden für eine Art Nostalgie.
Display for Eternity konfrontiert uns auch mit unseren Gefühlen gegenüber dem White Cube.
Indem der Ausstellungsraum gegen sich selbst gerichtet wird, gerät er vom Dispositiv zum Objekt und damit zum Opfer seiner eigenen Wirkungsweise.

Text: Johan Nane Simonsen